영국 초상화, 죠수아 레이놀드, 토마스 게인스보로 / 초상화의 역사 10/25/11 > 김미연 아트노트

 

Anthony van Dyck, Charles 1, 1635
         
Grand Manner Portraiture 는 역사화 사이즈의 전신상의 초상화를 말한다. 국왕, 귀족을 상대로 17세기 초중반 경에 시작이 된다. 적당한 포즈를 취한 인물 뒤에 시골 풍경화를 배경으로 한 지평이 깔려 있는 것이 전형적 구조이다. 19세기 미국이 남북 전쟁이 끝나면서 부유해지고 미국에서도  Grand Manner Portraiture 가 유행하며 사진에서도 이 구도가 나온다. 루벤스 Peter Paul Rubens 와 Anthony van Dyck 이 전신상 초상화 구도를 최초로 잡기 시작했으며  Grand Manner Portraiture 라는 용어는 영국 작가 Joshua Reynolds 와  Thomas Gainsborough 가 시작했다.  자연을 배경으로 사람이 아름다운 모습으로 있으면 Grand Manner Portraiture 스타일이라고 이해하면 된다.

 

 

 

Woman of Willendorf 24,000 – 22,000 B.C.E. Naturhistorisches Museum Vienna, Austria
  
구석기 시대의 다산 fertility풍요 목적의 부적 ammulet 처럼 보이며 성기 표시가 있어 사람임을 알아볼 수 있는 figure 이다. 작은 사이즈로 주술 행위의 일부로 쓰였다.

 

European Three Venus figurines, Ice Age of 25000 
 
구석기인들의 비너스로서 풍요 다산 기원의 주술 행위의 일부로 쓰였다.

 

 

해골에 눈을 붙여 사람의 형상을 만들려는 의지가 신석기 시대인 들에게 있었다.

 

 

Statues Abu Temple, Tell Asmar, Iraq, 2700-2500 BCE
 
예술이 religious purposes 으로 쓰였다.

 

 

Law Code of Hammurabi 1760 BCE
 
청동기 시대 바빌론의 함부라비 법전으로 외적인 것으로 사회적 신분을 표시하였기에 왕임을 나타내는 의복이 중요 포인트이다.

 

 

Sculpture of Mankaure and His wife from Giza, 2548-2630 BCE
 
이집트의 맨코르 왕으로 왕족임을 겉으로 드러내는 의복이 중요 포인트 이다.

 

Seated Scribe, Musee of Louvre, Saqqara 2400BCE
 
신분이 서기로서 귀족, 장관직이다. 이집트 미술에 와서 자연주의가 나타나고 사람 모습의 생김이 나타날 정도로 솜씨가 된다.

 

 

 
이집트 여왕 네르퍼티티의 조각인데 앞모습은 눈 한쪽이 미완성이라 옆모습이 더 예뻐서 측면을 주로 보여준다.

 

 

여왕이 이집트의 풍요의 여신 이시스 Isis에게 제물을 바치는 벽화이다.

 

 

 

 

Grave Stele of Hegeso  420 BCE
 
부유한 여인 헤게소의 묘지 비석으로 하인이 보석 박스를 들고 헤게소가 고르고 있다.

 

 

그리스 알렉산더 대왕 쯤에 가서야 왕의 얼굴 모습이 나온다. 젊어서 죽은 모습이다.

 

 

 

Brutus Late 4th Early 3rd C
 
공화정 로마에 와서 사실적 모습의 묘사가 가능해진다. 로마인은 실용성에 중점을 두었다. 나의 조상이 로마를 위해 죽었고 나도 로마를 위해 애국함을 보여줌이 목적이라서 선조들의 초상을 닮게 만든다.

 

 

잘생기고 못생김이 중요하지 않고 누구의 조상임이 단번에 나타나도록 닮음을 추구했다.

 

 

Togate Male Portrait with Busts Late 1st C 
 
할아버지, 아버지, 아들이 닮아야 한다. 로마시대에는 조상님의 초상화라는 전통이 중요했다.

 

 

Funerary Relief of Gessil 50 BCE
 
주인님의 덕분으로 해방된 두 노예가  주인과 같이 있는 조각이다.

 

 

 

Portrait of a Woman from Hawara in the Fayum Lower Egypt 110-300 CE
 
관뚜껑에서 나온 초상화로 왁스로 그린 것이다.

 

 

 

로마가 제국이 커지자 통치가 힘들어 4세기 무렵에 제국이 와해가 되고 콘스탄틴 대제에 이르러 로마의 뛰어난 조형 기술이 망가지기 시작하여 전통이 답습이 되지 않고 중세로 들어간다. 중세에는 기독교 정신이 지배하여 모든 영광을 하느님께 돌렸다. 인간은 겸손 modesty 하여 자신을 내세우려는 노력을 하지 않았기에 1400년 경 르네상스에 이르기 까지 이렇다 할 초상이 없으며 초상을 그려 줄 화가도 없었다. 로마시대에는 황제가 죽으면 신처럼 되어 조각을 세웠지만 중세 기독교인의 눈에는 우상숭배 처럼 보여 조각을 더 이상 만들지 않고 대신에 그림 솜씨가 발달한다. 교회에 바치는 그림에 기증자의 얼굴이 들어가는데 이것을 donor portrait 라고 한다.

 

 

비잔틴 제국의 산비탈레 교회에 선물하는 그림에 유스티니안 황제가 자신의 얼굴을 그려 넣게 한다. 중앙에 황제가 서 있고 오른쪽에 막스미아누스 주교가 서 있는데 황제의 권위와 맞먹게 자신의 이름을 크게 써 넣어 돋 보이게 한다. 옷이 직선으로 전혀 역동감이 없다. 신에게 바치는 공물 보석과 황제의 비단옷은 당시의 물질의 풍요를 나타낸다. 시종이 Christ 를 상징하는 카이로 chi rho (Greek letter XP) 가 있는 방패를 들고 있다.

 

 

 
비잔틴 제국 유스티아누스 황제의 왕비 테오도라와 시녀들이다. 왕비의 다리 앞의 Adoration of Magi (현자가 아기 예수께 선물을 바침) 그림은 왕비가 교회에 선물을 바침을 의미한다. 

 

 

Statue of Charlemagne (742 – 814), Early 9C
 
카롤링거 왕조의 샤를마뉴 대제이다.

 

 

Jean Pucelle, Hours of Jeanne d'Évreux (1324-28), Betrayal and Nativity, 1325 Cloisters
 
쟌느 여왕의 기도서인데 여왕의 모습이 작게 그려져 있다.

 

 

 

Wilton Diptych, English, 1395-99, National Gallery of Art, London
  
국제고딕양식에 따른 movable object 로서 전쟁에 참전한  영국 왕 Richard 2세가 기도할 때 2쪽 짜리 병풍을 제단에 펴 놓는다. 리챠드 2세와 요한 성인이 같이 있다.

 

베리공작의 기도서Très Riches Heures du Duc de Berry (The Very Rich Hours of the Duke of Berry), January, The Limbourg Brothers 1413-16 
 
람브루그 형제가 그린 프랑스 왕 챨스 2세의 동생인 베리 공작의 기도서Book of Hours 에 들어가는 캘린더 이다. 1400-1450년 사이에 로마 전통이 순식간에 발전한다. 베리공작의 성에서 New Year’s Day에 선물 교환 및 파티를 한다. 모자를 쓰고 테이블에 앉아있는 공작의 대머리 이마선과 코 각도가 인물을 어느정도 비슷하게 보이게 한다.

 

 

Robert Campin, Merode Altarpiece, Toumari, The Cloister 1425
 
1425-30년 쯤에 오면 이탈리아, 북유럽에서는 사람의 생김새를 정확하게 전달하는 묘사력이 생긴다. 왼쪽 날개에 그림을 주문한 주인 부부가 들어가 있다. 그림의 detail을 강조하는 화풍을 Realism of Particulars 라고 하며 소품들의 상징적인 가치를 끌어온다. 작은 사이즈의 portable 종교화로 교회에 기부를 한다.

 

 Jan van Eyck, Man in a Red Turban, 1433
 
Netherland 화가 얀반 나이트는 초상화의 대가이며 유화기법을 처음으로 그림에 사용한다. 자신의 눈을 정확하게 묘사했다.

 

Jan Van Eyck, Ghent Altarpiece, Church of St. Bavo, Ghent, Belgium, 1432 
켄트 제단화로서 세례 요한과 사도 요한이 가운데, 왼쪽과 오른쪽에는 patron인 Jodicus Vijd 와 Elizabeth Borluut 부부가 있다. 남편의 대머리, 귀, 울퉁불퉁한 핏줄, 예쁘지만 무미건조하고 나이가 드러나는 부인의 얼굴, 부유함이 풍기는 옷 등에서 사실적인 묘사가 보인다. 유화기법을 발명하여 이런 표현이 가능해진다.

 

 

아놀피니 부부의 초상으로 남자 옷이 실크벨벳으로 당시에 모피보다 비쌌다. 검정색이 염색을 여러번 해야 (labor intensive) 하므로  비싸다.

 

 

Jean Fouquet, Etienne Chevalier and St. Stephen,1450                           Agnès Sorel (1421 – 1450)
                 
젖 먹이는 어머니의 자애심을 표현하는 마돈나 도상을 마돈나 락탕스 Madonna Lactans 라고 한다. 헤어라인도 없는 이상하게 생긴 마리아는 프랑스 왕 Charles VII 의 애인 아그네스 소렐은 닮았다고 하는데 세딸을 낳고 네째 아이를 임신 중에 28세에 의문스럽게 요절한다. 재무장관 에티엔느가 주문한 그림으로 아그네스 소렐은 그가 좋아하던 여자이다. 

 

 

Master of Mary of Burgundy (1457–1482), Duchess of Burgundy
 
버건디의 공작부인으로 당시에 유럽에서 제일 돈 많은 여자였다.

 

 

Giotto, Christ entering Jerusalem, fresco Arena Chapel 1305-6
   지오토의 아레나 채플의 벽화로 예루살렘으로 입성하는 예수 이다. Italian Renaissance 에 와서 초상화의 가치가 인정되어  장르가 자리 잡고 비평의 의미까지 가해진다. 로마의 전통이 부활되어 초상화가 발달되던 시기 이다. 작가들이 개인을 상대로 닮은 초상화를 그려 돈을 번다.

 

 

Lorenzo Ghiberti, East Door, Gates of Paradise 1403-1424 Baptistery Florence Cathedral                         
기베르티가 만든 피렌체 성당의 세례당 문으로 자신의 자화상을 넣는다. 미켈란젤로는 이문을 가르켜 Gates of Paradise 라고 했다. 기베르티는 21년 동안 이 문을 만든다. 

 

마사치오 Masaccio, Holy Trinity fresco Santa Maria Novella, Florence 1425
  

마사치오(1401-1428) 는 산타 마리아 노벨라 성당의 벽에 그린 성삼위일체 Holy Trinity에서 과학적인 원근법을 응용한다. 르네상스에 와서 인간의 자존감이 점점 높아져서 그림 안에서 등장하여 기념받고commemorate싶은 욕구가 생긴다. 프레스코를 헌납한 렌지 부부Lenzi family 가 성스러운 관람자로 아치의 양 끝의 중요한 자리에 들어가 있다.

 

 

Leonardo da Vinci, Mona Lisa 1503-1505                 Hans Memling, Portrait of a Man, Frick collection 1470
                                  
모나리자의 구도를 북구유럽의 그림에 따 온다. 손의 위치와 뒤 풍경화 배경이 비슷하다.

 

 

Domenico Ghirlandaio, An Old Man and a Young boy, 1480, Tempera and Oil
 
1500년대의 초상화의 패턴이다. 사람의 얼굴을 크게 그리고 창문 장치를 통해 풍경을 보여준다. 

 

Raphael, Pope Leo X with Cardinals Giulio de Medici and Luigi de’ Rossi 1517
 
메디치가 출신 교황 레오 10세와 사촌인 두 추기경의 초상화이다. 메디치가 사람들이라 모습이 닮아있다. 라파엘과 티션은 당대의 인기 초상화 작가였다.

 

 

Tiziano Vecellio, Pesaro Madonna, 1519-26, Santa Maria del Gloriosa dei Frari, Venice
 
종교화에 포함된 가족 초상화 이다. 성모와 아기예수는 대각선으로 밀려있고 후원자 페사로 기족에게 더 영광스런 위치를 준다. 오른쪽에 페사로 집안의 아버지쯤 되는 사람이 성모 마리아보다 더 화려한 옷을 입고 있다. 부자들의 화려한 옷이 그림의 visual pleasure 를 더해준다.

 

Titian, Portrait of a Man 1512

옷이 주는 아름다움으로 인해 매력적인 남자로 보인다.

 

 

Agnolo Bronzino, Portrait of Eleanor of Toledo and Her Son, Giovani de’Medici 1545
 
스페인 여자 엘리노아는 메디치 집안으로 시집을 온다. 어머니와 아들이 닮았으며 옷이 주는 압도감으로 부유한 삶이 드러난다. 초상화를 그릴 때 가장 중요한 점은 닮아야 하며 성격이 보여야 되고 또한 인물이 아름답게embellishment 나타나야 하는데 세가지 요소를 다 갖추기가 어려운 일이었다.

 

 

 

Rubens, Portrait of an Aristocratic Woman, Spinola Doria 1606
 
루벤스는 초상화 황금시기인 바로크 시대에 제일 뛰어난 초상화 화가 였다.

 

 

 
루벤스의 제자 안토니 반 다이크는 초상화의 setting 을 밖의 풍경으로 바꾼다.  영국왕 챨스 1세의 초상인데 왕이라고 엄중하게 서 있는 모습이 아니고 여행 중에 잠깐 쉬는 숨겨진subtle 모습이다. 루벤스의 Spinola Doria 초상 처럼 버티고 서 있지 않고 자연스런 모습이다. 챨스 1세는 루이 14세 처럼 절대 권력을 행사하려 해서 살해 당한다.

 

 

Velazquez, Philip IV 1632, 1644, Frick Collection, New York
                
벨라스케스가 그린 필립 4세 초상으로 업무에 몰두하는 모습이다.

 

 

Velazquez, Juan de Pareja 1650
 
벨라스케스의 조수로서 보잘 것 없는 신분이지만 존엄성이 보인다.

 

 

Velazquez, Pope Innocent X, Palazzo Doria-Pamphili, Italy 1650
 
교황의 반지, 의자, 편지 등 소품에 신경을 쓴 setting 이다.

 

 

Hyacinthe Rigaud, Portrait of Louis XIV 1701
 
루이 14세 초상으로 옷의 화려함의 극치를 보여주는 바로코 말기 이다.

 

 

 

 

Francois Boucher (1703-1770), Marquise de Pompadour 1759, London, Wallace Collection
 
부세는 마담 퐁파두어를 그리는데 얼굴 보다 옷에 치중한다.

 

 

Joshua Reynolds, Lady Elizabeth Delme and Her Child 1777-78
 
영국 화가 조수와 레이놀드Joshua Reynolds(1723-1792) 와  토마스 게인즈보로 Thomas Gainsborough(1727-1788) 는 비슷한 시기에 태어나 활동한다. 레이놀드는 40명만 들어가는 경쟁이 치열한 Royal Academy 의 멤버이며 영국 국왕의 화가가 되어 작위를 받아 Sir가 되는데 아카데미 멤버도 아닌 게인즈보로가 대중적 인기는 더 있어서 레이놀드가 질투심을 가질 정도였다.

 

조수와 레이놀드는 가르치는 선생으로 이론이 많아서 상상력이 떨어진다. 위의 그림은 엄마가 된 백작의 딸과 자녀들의 초상이다. 레오나르도 다빈치의 동굴의 성모의 피라밋 구도를 따라한 입체적 구도이다. 초상화는 사람을 앉혀놓고 빨리 그려야 하는데 레이놀드는 빨리 그리지를 못 하고 2년 동안 이 그림을 그린다. 그 사이에 아이들은 자라났고 있는 그대로의 모습의 초상화가 아니라 디자인 concept 에 맞추어 그렸다.  얇은 옷에 금발이 아름답다. 학자들은 이 그림을 보고 ‘이론의 대가 답게 라파엘, 푸생, 티션의 전통이 다 들어가 있다’고 평했는데  토마스 게인즈보로는 ‘How various it is’ 라고 하면서  ‘솜씨 좋구나. 여러가지를 잘도 섞었다’ 라고 평했다.

 

 

Thomas Gainsborough, Self-Portrait 1759

 

 

Thomas Gainsborough, Robert Andrews and His Wife 1748-1750
 
게인즈보로가 Bath 로 이사가기 직전에 고향에 살면서 그린 그림이다. Andrews 는 22살, Frances Carter 는 16살로 1748년에 막 결혼하고 그림을 주문했다. 사채업자로서 성공한 아버지를 둔 landed gentry 계급으로 로버트는 교육을 잘 받아 Oxford 대학을 나온다. 여자 집안은 textile 공장을 하다가 사업이 사양길에 접어들어 프란시스가 결혼을 막 하고 집안이 쫄딱 망한다. 그림에서 로버트는 사냥총을 들고 fox hunting 을 즐기며 어마어마한 저택이 딸린 estate에 사는 것 같은 분위기를 풍기지만  사실은 want to be 로서 성을 살만한 돈은 아직 없다. 로버트는 드러나는 자세로 당당한데 반해 프란시스는 집이 망해서 그런지 다소곳한 책 읽는 모습이다. 그런데 여자의 치마 부분이 어딘지 엉성해 보인다. 미완성으로 애완견도 없고 의자도 비어있는데 자식이 태어나면 앉힐 자리를 남겨둔 것 같다. 프란시즈가 지참금으로 가져온 땅과 남자의 땅이  배경에 만나고 있으며 게인즈보로의 고향 마을의 교회가 보인다. 

 

이 그림이 issue 가 된 이유는 18세기 중엽 기슬 혁명으로 골을 맞춘 농경지가 있는 농장의 새로운 모습을 보여주기 때문이다. 당시에 gentry 계급이 울타리 enclosure 를 만들어 땅을 늘렸기에 평민들의 반감이 많았다. 영국 학자 John Berger 는 Marxist 막시스트 미술사가 인데 1980년에 이 그림을 가르켜 농민을 착취하는 브르조아적 그림이라고 평을 하여 더 유명해진 그림이다. 게인즈보로는 초상화 돈벌이에 자괴감이 들어 이 그림을 풍경화 라고 주장했다고 한다.  Jane Austen (1775-1819) 소설 오만과 편견 Prejudice and Pride 등에 나오는 등장 인물들의 신분이 이 그림 속의 landed gentry class 이다. 귀족 작위는 없고 돈은 벌었지만 망할 수도 중간 계층을 의미한다.

 

 

Thomas Gainsborough, Mrs. Richard Brinsley 1787 

게인즈보로와 오랜 친구인 소프라노 가수 Elizabeth Linley 양이다. 귀족 여성도 아니고 부유 집안의 딸도 아닌 예술을 사랑하는 계층이다. 숲속의 muse 처럼 표현했다. 영국의 로코코 분위기는 프랑스 로코코의 장식적이고 화려한 분위기와는 좀 다르다.

 

 

   

 

 

      
게인즈보로는 색채의 마술사로 불리는데 반다이크에게 경의를 표하는 의미로 챨스 왕의 자녀들 그림을 따라 그리는데 빨강색 옷을 파란색으로 바꾸어 그린다. 신발에 리본이 달리고 모자에 털이 달려있다. 유명한 상인 Butlall의 아들인데 1796년에 bankruptcy 를 하여 이 그림을 판다. 게인즈보로의 고객은 주로 신흥 상공업자 landed gentry 층이었다.

 

 

Joshua Reynolds, Mrs. Siddons as the Tragic Muse 1784
 
Sarah Siddons (1755-1831) 은 맥베스 등에 출현한 비극 전문 배우로서 1812년에 은퇴를 위한  마지막 공연를 하는데 아쉬워하는 관객들의 curtain call 이 10분 넘게 계속되자 평상복으로 갈아입고 다시 나와서 관객에게 작별 인사를 했다고 한다. 레이놀드는 시돈 양이 앉아서 하는 연기를 관객이 보는 듯이 그렸는데 위자 뒤의 두사람은 pity 와 terror 의 감정을 의인화 시킨 것이다. 레이놀드는 시돈스를 현학적이고 박식한 고대 그리스 로마 전통의 영감의 대상 Tragic Muse로 나타낸다. 고전 작품을 인용한 유식한 그림으로 색깔이 엄중하면서 튀지 않는다.

 

 

Michelangelo, Sistine Chapel, Prophet Isaiah
 
레이놀드는 미캘란젤로의 시스틴 채플의 이사야 예언자의 자세를 따라서 사라 시돈을 그렸다. 

 

 

Thomas Gainsborough, Mrs. Siddons 1785
 
게인즈보로는 stylish 한 여자 배우Sarah Siddons의 있는 그대로의 모습의 초상을 그린다. 화려함 flamboyant 이 드러나고 파란색, 노란색이 대조를 이루면서 바로크 시대 처럼 인물의 여인을 제일 아름다운 사람으로 만든다. 옷에 치중 한다. 당시의 사람들은 같은 인물을 놓고 그린 두 화가의 그림을 가지고  ‘누가 더 좋냐’ 를 화제로 삼았다. 배운 사람들은 레이놀드의 tragic muse 를 더 좋아했다고 한다.