네덜란드 바로크 미술(1): 루벤스, 반다이크, 프란스 홀스 9/27/11 > 김미연 아트노트

 

 

르네상스 그림의 주제는 기독교 종교화가 대부분이었는데 바로크 시대에 들어와 일상의 평범한 사람이 주인공으로 등장하고 종교적 상징물은 그림 속에 숨겨져서 나타난다. 현재 벨기에 지역인 Flanders지방은 스페인의 합스부르그 왕가의 지배를 받으며 카톨릭을 믿는 귀족 중심의 체제였고  네델란드 지역인 Dutch Republic 는 신교 중심으로 돈많은 상공업자들이 도시의 중요 발언권을 기지고 있었다. 플란드르에서는 귀족들이 사는 웅장한 팔라쪼의 벽면을 장식할 거대한 그림이 필요했지만 네덜란드 공화국에서는 그림의 실수요자인 상공업자들의 작은 집에 걸기 좋은 소규모의 그림이 제작된다.

 

Michelangelo(1475-1564) 와 Titan (1488-1576) 은 르네상스를 살았던 이탈리아 화가이며 이 두 거장이 세상을 뜨는 16세기 후반은 후기 르네상스라고 불리는 매너리즘이 유행하고 있었다. 17세기 바로크로 넘어가는 전환기에 태어난 이태리 화가Caravaggio(1573-1610)와 플란드르의 Rubens (1577-1640)는 동시대인으로 서로에 대한 소문을 들어서 알고 있었다. 카라바지오와 루벤스보다 10-20년 후  바로코시대에 태어난 화가로는 플란드르의 Van Dyck(1599-1641), 스페인의 Velasquez (1599-1660), 네덜란드 공화국의 Frans Hals(1581-1666) 와  Rembrandt (1606-1669)가 있었다. 루벤스가 20-25세의 나이로 경력을 시작할 1600년 경에는 미켈란젤로와 티션은 작고한 시대의 거장으로 제일 존경받는 작가였다. 네덜란드 공화국의 황금기인 1630년대에 제일 유명하게 떠오르는 화가는 벨라스케스와 렘브란트였다.

 

 

Europe in 1648
 
17세기 네덜란드는 남쪽의 플란드르Flanders와 북쪽의 네덜란드 공화국Dutch Republic으로 나누어져 있었다. 현재 벨기에 지역인 플란드르지방은 스페인의 합스부르그 왕가(오렌지 색의 땅)의 지배 하에 있었다. 루벤스는 신교 옹호자인 아버지를 어린 시절에 여의고 구교 출신인 어머니를 따라 플란드르 지방의 상업 중심지인 Antwerp 에 와서 살면서 독실한 카톨릭 옹호자가 되고 Antwerp 에서 workshop 을 차린다. 한편 루벤스(1577-1640)보다 30년 후에 태어난 렘브란트(1606-1669)는 Dutch Republic의 암스테르담을 중심으로 활동한다. 플란드르와 네덜란드 공화국은 Peace of Westphali 를 1648년에 체결하여 더 이상 전쟁없이 평화롭게 산다.

 

 

 

Elevation of the Cross 1610-11, Antwerp Cathedral, Belgium
 

 

바로크의 역동성을 강조하는 그림이다. 십자가의 예수님을 주제로 수많은 그림이 그려졌는데 유독 루벤스는 십자가를 올리고 내리고 하는 움직임의 장면을 선택한다. 바닥에서 십자가를 올리는 대각선 구도에서 바로코 특유의 힘의 긴장감이 느껴진다. 축도법을 사용한 그리기 힘든 자세이며 영감의 원천은 미켈란젤로Michelangelo의 시스틴 채플의 천정 그림 Last Judgment 인물의 울퉁불퉁한 몸을 꼰 자세이다.

 

로마, 플로렌스로 유학을 온 루벤스는 명승 고적지를 다니면서 색깔로 유명한 베니스학파 티치아노 Titan 제자와 만나 함께 그림도 그린다. 루벤스 그림의 특징은 자신이 자랑스럽게 생각하는 색깔에 있다. 레오나르도의 어두운 톤이 아니라 빨강, 파랑, 노랑색을 쓰며 빛이 환하게 비치는 예수님의 옷, 로마 군인의 금속 재질의 갑옷 등 대담한 색을 써서 마치 accent 처럼 보인다. 그는 귀족이 주문하는 수렵화도 동물도감처럼 정교하게 그려내는데 ‘십자가 올림’에서 개도 보인다.

 

 

 

Rubens, Descent from the Cross, Vrouwekathedraal, Antwerp 1609-10
 
바로크 시대에 오면 순간의 시점이 달라진다. 예수님이 부활할지를 아직 모르는 사람들은 숨이 끊어지는 듯한 슬픔에 복받친다. 3일째 되어 축 쳐진 몸, 근육감을 잃어버린 탈수된 몸을 받치는 깔개는 즐거운 빨강이 아니라 강렬하고 어두운 붉음이다. 배경에 흰 천을 두어 사람의 시선을 모아서 ‘십자가에서 내리심’ 이 행해진다.

 
 
인물들의 자세는 미켈란젤로의 구도를 닮았고, 어둡고 밝음의 대비는 카라바지오 풍이며, 인물들의 움직임은 틴토레토의 영향이 보인다. 베니스의 전통적인 풍경화의 청명한 하늘이 배경에 있다. Antwerp 성당에 걸린 그림이다.

 

 

Titan, Pesaro Altar Piece 1520                                          Michelangelo, Sistine Chapel 1508-12
       

티션이 그린 페사로 가족 제단화의 성모, 베드로의 빨, 파, 황금색 옷과 미켈란젤로의 인물의 자세가 루벤스 그림에 비슷하게 나타난다. 루벤스는 시스틴 채플 천정의 그림을 보고 따라서 그리는 drawing 의 귀재이다.

 

 

루벤스가 미켈란젤로의 작품을 보고 그린 스켓치이다.

 

Tintoretto, Crucifixion 1565, Sala dell'Albergo, Venice           
 
루벤스는 베니스에 가서 틴토레토를 만나는데 그는 후기 르네상스의 매너리즘으로 그림이 변형 되어 가고 있는 화가였다. 3명 만 등장하는 ‘십자가 처형’에 비해 수십명의 사람을 그려넣은 틴토레토의 Crucifixion 은 scale 이 다르고 그리기 힘들다.

 

 

틴토레토의 ‘최후의 만찬’은 레오나르도의 Last Supper (1491-98)와 같은 구도이지만 12제자 외에도 동네 사람까지 막 넣어서 그림이 쓸데없이 복잡하다. 사람들의 미적 감각이 레오나르도 당시와 다르게 변했음을 말해준다. 루벤스는 틴토레토의 영향도 받는다.

 

 

 

중세에 조상이 약을 팔아서 medicine 에서 이름이 유래한 메디치가는 15세기에는 아직 귀족이 아니었다. 재산의 축척과 더불어 교황이 두 사람 나오고 Cosimo de Medici(1519 – 1574)가 16세기에 Duke of Florence로 귀족이 된다. 메디치가와 프랑스는 채무 관계가 있었다. 메디치가는 전쟁을 30-40년 하는 프랑스에 돈을 대어 주고 전쟁이 끝나자 마리 드 메디치가 앙리 4세의 부인이 되어서 프랑스로 시집을 간다. 결혼의 교류로 인해 이태리 르네상스 업적이 프랑스 궁정에 소개되는데 마리 드 메디치는 이태리 음악, 발레, 음식, 정원 디자인 등의 문화 인사를 프랑스에 초청한다. 프랑스 발레 지젤 등이 유명하게 된 배경에는 이태리의 영향이 지대하다.

 

 

Musee du Louvre, Marie de Medici by Rubens
 
마리 드 메디치가 자신의 일생을 그림으로 그려 줄 것을 루벤스에게 위탁한다. 마치 자신이 신화의 주인공처럼 커다란humongous 사이즈의 그림에 나타난다. 루벤스에게 12’9’ 크기의 그림을 21개 그리도록 위촉했지만 다 못 그리고 떠나고 다른 사람이 완성한다. 현재 루브르 박물관에 있다. 
 

Rubens, Coronation of Marie de Medici in Saint-Denis, 1622-25
 
파리 근교 북쪽에 있는 세인트 드니 왕립 수도원에서 거행된 마리 드 메디치 왕비의 대관식 장면이다.

 

 

Rubens, Arrival of Marie de Medici at Marseilles, Queen of France Landing in Marseilles (3 November 1600), 1622-26
  

 

마리 드 메디치가 탄 배가 마르세이유에 도착한다. 호화로운 뱃 머리 장식에 메디치가의 문장인 오렌지가 보이고 옷, 보석 등의 detail 이 귀족의 취향에 맞는다. 호위병의 가슴에 단 십자가는 명예로운 기사임을 상징하는 Knight of Malta 이다. 마리 드 메디치 앞에는 빨강 비단이 깔리고 Red Carpet 을 밟고 내려온다. 로마 고전적 건물을 배경으로 귀하신 몸이 햇빛을 피하게 천개 canopy 를 받쳐준다. 배 밑에 옷벋은 뚱뚱한 여자들이 등장해 신화적 연결고리를 제공한다. 바다의 신 Neptune 과 딸들 Nereds 가 여행 길의 왕비를 호위하여 멀리 이탈리아에서 여기까지 왔다. 로마 신화의 여신 헤라 정도의 수준에 맞먹는 대접이다. 그림의 시점이 높게 자리해 관객의 시선은 Nereds 와 맞아 떨어지고 왕비를 보려면 위로 올려봐야 한다.

두꺼운 은색의 화려한 드레스에 시대의 패션이던 큰 collar 가 있다. 마리 드 메디치는 잘난체pompous 하며 꼿꼿이 서 있는데 황송한 얼굴을 한 프랑스 국왕의 사신이 버선 발로 맞이한다.

 

Detail, Nereds
 
Nereds 의 뒷모습으로 미켈란젤로를 연상시키는 substantial 한 몸이다. 사람인데 인어 비슷한 꼬리가 있다. 다른 느낌의 노란색 톤을 써서 몸의 근육을 잘 보여준다. 흰색 붓 터치로 그린 바닷 물결이 만져보고 싶을 만큼 회호리 치고 있어 벨라스케스의 ‘세빌의 물장수’ 의 유리잔 물이 연상된다.

 

 

Rubens(1577-1640), Self-portrait 1628-30
 

루벤스는 스물 몇에 이태리로 유학을 가서 명문가 여성 귀족들의 초상을 그리고 1603년에는 만투와 Mantua 의 Gonzago 집안의 사절로 스페인을 다녀온다. 1609-21년 사이에 플란드르의 Artwerp 에 정착을 하고 그림을 그리는데 이 시기가 루벤스의 career 에 있어 가장 productive 한 기간이다. 국왕 Albert Vll 의 궁정화가court painter 가 되어 외교 사절로 프랑스에 가서 마리 드 메디치의 주문으로 그림을 그리고 1628-29년 사이에는 스페인의 마드리드에 사절로 간다.  말년에 기사가 되고 싶어하는 루벤스에게  필립4세와 영국왕 헨리4세는 기사 작위를 주며 영국 켐브리지 대학에서 명예 석사를 수여 받는다.

 

 

Rubens, Portrait of an Aristocratic Woman, Spinola Doria 1606
 
루벤스가 이탈리아에서 유학 중에 그린 그림으로 5’3’ 의 꽤 큰 그림이다. 스피놀라 집안의 딸이 결혼해서 도리아가 된다. 본인을 닮았으면서도 살짝 더 예쁘게 그린다. 뒤의 커튼 장치로 인해 얼굴이 돋 보인다. 압도하는 느낌을 주며 손가락은 살짝 구부렸다. 워싱톤 DC의 Smithsonian National Gallery 에 있다.

 

 

Rubens, Garden of Love 1638
 

루벤스 그림의 사이즈는 주로 6’9’ 정도이다. 그리스 로마의 신들이 모인 사랑의 정원을 비유한allegorical 그림이다. 더 이상 토가를 입지 않고 당시의 contemporary costume 을 입었다. 솜털 같은 옷을 입은 뚱뚱한 여신들, 하늘을 나르는 큐피드는 화살을 쏘려고 한다. 로마식의 폐허가 된 건축물, 베니스의 벨리니Giovanni Bellini 가 연상되는 청명한 하늘, 티션의 옷 색깔 등등-- 그림의 각 부분에 영감의 source 가 있다. 루벤스는 공장 수준의 공방을 운영하였기에 유럽의 갤러리에 루벤스 그림이 흔하게 보인다. 자신이 직접 그린 그림과 조수에게 구도를 주고 얼굴, 손만 touch up 을 하여 인증을 한 그림과 말로 설명하며 supervise 한 세가지 그림으로 분류된다. 공장의 분업 수준으로 작품 제작을 하였기에 루벤스가 전체를 직접 그린 그림은 몇 개 되지 않는다. 귀족들이 좋아하는 수렵화는 하청 sub-contracted 을 주기도 했다.

 

 

Jan Brueghel the Elder and Rubens, Allegory of Sight 1617-18
 

비너스와 큐피드가 세속적인 물건을 보면서 사색을 하고 있다. 로마시대 흉상, 지리상 발견을 암시하는 지구본, 터키의 오리엔탈 rug, 각종 과학 도구, 왼쪽으로 스페인 화가 무리오의 성모 그림이 보인다. 루벤스는 humanist scholar 이며 스스로가 collector 이기도 했다. 이 그림은 17세기 당시 귀족, 잘 사는 화가들의 art collection 의 풍조를 보여주는데 취미로 가득 모아놓은 이런 방이 박물관의 시작이 된다.

 

 

Anthony van Dyck, Rinaldo and Armida 1629
 

엔토니 반 다이크는 루벤스의 workshop 에서 재능이 뛰어난 도제로 색채의 대가로 알려져 있고 영국의 귀족들이 좋아하는 화가이다. 원정 중에 만난 이교도 처녀 아르미다와 사랑에 빠진 십자군 기사 리날도가 못 가게 말리는 아르미다를 두고 떠나자 이교도 처녀는 자살을 한다는 그리스 신화를 주제로 한 그림이다. Tass의 이교도 여자와 기독교 기사와의 사랑을 그린 이 그림은  당시 영국의 정치적 상황을 말하기도 한다. 찰스 1세는 의회의 반대에도 불구하고 영국의 종교개혁 이후 탄압 받던 로마 가톨릭 교회 신자인 프랑스인 헨리에타 마리아와 결혼하고 의회와 맞서 절대 권력을 가지려 했으며 전쟁 및 내전으로 영국의 약화를 초래했다. 1649년에 찰스 1세는 사형을 당한다.

 

 

Anthony van Dyck, Portrait of Charles I Hunting 1635
 
사냥을 나간 영국 왕 챨스1세의 세련된 모습이다. 반 다이크는 사람을 뚱뚱하게 그리는 루벤스와는 또 다르게 절제미가 있고 강력한 색깔로 인해 인기가 있었다. 반 다이크는 영국에서 활동했는데 당시 영국인의 큰 소망은 그에게 초상화를 받는 것이었다.

 

 

 

Dutch Golden Age (1600-1660)는 렘브란트의 활동시기와 맞불리며 이 시기는 네덜란드 역사 전반에 있어 강대국으로 반짝했던 기간이다. 당시 네덜란드인은 배를 타고 인도, 인도네시아, 일본으로 상업무대를 옮겨가 살았다. 쇄국 정책을 하던 일본이 유일하게 허용한 나라가 네덜란드이며 일본 물건이 유럽에 올 때는 네덜란드의 손을 거쳐야 했다. Dutch Republic은 신교도 protestant 들로서

 middle class 를 위한 그림이 제작된다.

 

 

네덜란드 공화국의 화가 프란스 홀스의 그림으로 신문에 나오는 커리커처 caricature 같은 느낌이다. 남루한 차림의 ‘행복한 술고래’ 가 들고있는 볼록 유리가 튀어 나온 컵 밑부분, 얇은 린넨의 소매 레이스 등 detail 이 뛰어나다. 관습convention 을 따르지 않는 프란스 홀스는 주로 중산층이 부탁하는 그림을 그리는데 이탈리아의 카라바지오의 영향이 진하게 보인다.

 

 

Caravaggio (1573-1610), Calling of Matthew 1599-1600
 
금방 그린 것 같은 붓자국으로 인해 카라바지오의 ‘매튜의 소명’이 spontaneous 해 보인다. 같은 느낌의 붓 터치가 프란스 홀스에게서 나타난다.

 

 

Frans Hals, Malle Babbe 1650
 
음험한 부엉이처럼 늘 졸고 약간 돈 듯하지만 정신이 들면 예언도 하는 이런 여자를 말레 마비라고 부른다. 마구 웃기도 화내기도 하는 괴팍한 성격으로 동네에서 따돌림을 받는다.

 

 

Frans Hals, Banquet of the Officers of St. George Civic Guard 1616
 
신교를 채택한 네덜란드 공화국은 카톨릭 옹호 국가의 침략에 대비하기 위해 시민 자체의 민병대를 조직한다. 조직의 모임 장소나 banquet hall 에 걸어둘 목적으로 유명한 화가에게 group portrait 를 부탁한다. 나의 아버지, 할아버지가 민병대에서 활동했음을 보여주는 public image 를 위한 그림이다. 왜 이 그림이 바로크인가? 시대적인 양식을 따라 flag 를 접어서 대각선으로 배치했다. 더 이상 레오나르도의 수평 구도를 따르지 않고 일그러진 삼각형 구도 이다. 민병대 연회 중 즐거운 한 순간을 찍은 것 같은 분위기로서 얼굴과 손을 부각시켜 살아있는 인격과 개성이 드러난다. 레오나르도의 Last Supper 처럼 3-4명이 그룹으로 모여 이야기 하는데 초상화의 비용을 각자 냈으므로 공평하게 얼굴이 보이도록 화가는 신경써서 배분한다. 프란스 할스는 Haarlem 에서 중요 초상 작가로 부각된다.

 

 

Frans Hals, The Women Regents of the Old men’s Home at Haarlem 1664
 
부인들의 취미 그룹으로 남편들은 Haarlem시의 주요 인사들로 상인들 이다. 신교를 따르므로 여자들이 검소하다.

 

 

Frans Hals, Archers of Saint Hadrian 1633
 
전문 민병대 활사수 archer 조직의 group portrait 이며 Hadrian은 그룹의 수호 성인이다.

 

 

Frans Hals, Married Couple in a Garden 1622
 
프란스 할스는 표정을 포착하는 데 귀재이다.

 

 

2. Judith Leyster, Self-Portrait 1630
 
드물게 이름이 알려진 여성 화가로 프란스 할스의 제자이다.

 

 

Judith Leyster, Young Flute Player 1630-35
 

 

 

 

3. Rembrandt Van Rijn (1606-1669), Anatomy Lesson of Dr. Tulp 1632
 
Dutch Golden Age 의 대표 화가인 Rembrandt는 암스테르담 Amsterdam을 중심으로 활동하는데 1632년에 암스테르담에 가서 그린 첫 작품으로 성공의 시작을 알리는 그림이다. 그림의 제목은 ‘시체 해부’ 이지만 실제로는 잘 나가는 대학 병원 의사들이 공동 비용으로 주문한 사진 같은 group portrait 이다. 이들 중 제일 저명한 Dr. Tulp 가 설명하고 있다. 노란색의 varnish 로 덧칠하듯이 그린 점이 특징이다.

 

 

아버지 쪽이 방앗간 milling을 하고 어머니는 bakery 집 딸로서 괜찮은 중산층의 아들로 태어난 렘브란트는 루벤스처럼 어렸을 때 교육을 잘 받는다. 부모는 아들이 전문직을 가지기를 원했지만 그림에 재능을 보여 동네 도제 밑에 들어가 그림 수업을 시작한다. 1632년에 암스테르담으로 이사를 가는데 렘브란트의 career 를 빛내는 계기가 된다. 그림 시장이 세분화된 도시이기에 art dealer 가 있었고 친구의 사촌 Saskia 와 결혼도 한다. 렘브란트는 70개 정도의 많은 자화상을 남긴 화가로 유명하다. 노란색 빛이 나오는 것 같은 coat 를 입힌 이 자화상이 대 성공을 거두고 암스테르담에서 명성을 굳힌다. 그는 공방을 운영하였기에 연습용 그림도 많이 남아있다.

 

 

렘브란트의 판화 에칭etching 시리즈는 100길더나 하는 비싼 프린트로 알려져 있다. 신교는 예수의 인성이 나타나는 복음서를 강조하므로 렘브란트는 인간적인 예수님의 모습을 강조한다. 병자를 치료하는 예수님에게서 빛이 나며 사람들이 몰려온다. 암스테르담에서 렘브란트는 유대인이 많이 사는 큰 건물에서 살았는데 이웃 주민들에게서 유대인의 모델을 찾았다고 한다. 렘브란트는 에칭 작품이 많은데 빚으로 인하여 press machine 까지 넘기게 되어 화가로서 수치를 당한다. 그는 돈을 많이 벌었지만 그만큼 쓰임새가 많아 경제난을 겪는다. 1656년에는 거의 파산 직전까지 가는데 법정에서 자신의 art collection 을 처분해서 빚을 청산하기로 결정이 난다.

 

 

 

 

Rembrandt's house in Amsterdam, now the Rembrandt House Museum
 
암스테르담에서 사스키아와 결혼하여 살던 집이다. 1635년에 첫아들을 낳았지만 금방 죽고 연이어 두 딸을 낳았지만 또 잃어버리고 1641년에 아들을 낳았는데 이번에는 부인 사스키아가 일년 후에 죽는다. 아들 Titus 는 1641-69 년까지 20세 남짓 살다가 죽는데 일년이 안되어 렘브란트도 죽는다. 렘브란트의 인생에 두 여자가 더 있었는데 사스키아의 간호를 위해 고용한 하녀와 나중에 집안 일을 돌보는 가정부와 애인 관계가 된다.

 

 

Rembrandt, Son Titus as a Monk 1660
 
렘브란트가 수도승 옷을 입은 스물 한살의 아들을 그렸다.

 

 

Rembrandt, The Blinding of Samson 1636
 
성경에 나오는 삼손의 이야기이다. 동굴처럼 사방이 어두컴컴한데 빛이 들어와 가운데 부분을 비추는 듯한 구조로 카라바지오와 비슷하다.

 

 

Rembrandt, Company of Captain Frans Banning Cocq (Night Watch), 1642 Rijksmuseum, Amsterdam
 

프란스 할스의 group portrait 인 Archers of Saint Hadrian 는 사람들이 실내에서 있어 별로 active 해보이지 않는데 천재적인 렘브란트는 사람들을 밖으로 데리고 나온다. 렘브란트는 Frans Banning Cocq 의 대원들의 그룹초상화를 그리기 위해 밖으로 나오고 마을 사람들, 여자아이도 포함시켰다. 사람들의 표정이 생생하고 물질적인 풍요로움을 누리는 듯이 잘 차려 입었다. 민병대의 훌륭한 서비스 덕에 암스테르담의 미래가 안정되고 아이들의 미래도 밝음을 암시한다. 구도가 대각선으로 바로크적이며 마치 카라바지오가 연출한 듯 대원들이 무대의 중앙으로 걸어나오는 듯하다. 오른쪽의 북치는 사람은 반만 모습이 보이는데 민병대가 고용한 사람이라 렘브란트에게 초상화 비용을 내지 않았다고 한다. 이 그림을 그린지 50여년이 지나서 18세기가 되자 그림이 너무 어두워져서 Night Watch 라고 불렀는데 현재는 다시 깨끗하게 복원이 되었다.

 

 

Rembrandt, Night Watch 17th Century Copy
 
1642년의 원래 그림의 크기로서 벽에 넣으려고 1715년에 선대로 자른다. 캡틴과 17명의 대원이 각각100 guilder씩 돈을 내어 전체 그림 값으로 1600 guilder 를 받았는데 실제로는 34명이 그림에 들어가 있다. 당대에 렘브란트는 이처럼 비싼 작가였다.

 

 

Rembrandt, Aristotle Contemplating the Bust of Homer 1653
 
마치 자신이 아리스토텔레스 인양 호머의 흉상을 보며 렘브란트가 포즈를 취하고 있다