Minimalism in 2009 5/26/09 > 김미연 아트노트

Dia Foundation 은 1974 에 설립되었다. Nabisco 과자 공장 주인이 공장 건물을 1999년에 Dia 재단에 donation 함으로서 2003 년에 박물관을 open 했다. Dia Beacon Gallery 는 다른 박물관에서 소장하기 힘든 규모가 큰 작품을 모아 놓았다. 디아 비콘 뮤지엄은 Floor Plan 을 보면서 다녀야 한다.

 

2. Donald Judd, Untitled 1965

도날드 져드는 Minimalist 대표 작가로 불리나, 본인은 minimalism 이라는 이름에 거부감을 가졌다. 이 작품은 minimalism 의 정의에 잘 부합된다. 첫째로 Stainless Steel, Aluminum 등의 공업용 재료를 쓰고  둘째 작가와의 연결 고리를 끊어내 작가의 authorship 을 배제시킬려고 노력한다. 공장에서 fabricated 된 것을 가져다가 배열만 했다. 제목도 작품에 meaning 을 안 주기 위해 untitled 이다. 세째로 cube 나 grid 등의 기하학적이고 기본적인 형태를 가져와서 repetition 을 하였다.

Abstract Expressionism 은 Surrealism(초 현실주의) 에 뿌리를 두고 있다. Surrealism 은 둥근 느낌의 아메바 같은 표현을 많이 하는데, 이를 bio-morphic, organic abstract 라고 한다. Minimalism 은 차갑고 수학적이며 기하학적인 geometric abstract 에 뿌리를 두고 있으며, 기본 형태를 반복 한다. 예술가의 삶이 전혀 드러나지 않는 anonymity (익명성) 를 support 한다.

 

Donald Judd, Untitled 1976

Plywood (나무 판넬) 로 만든 cube 모양의 box 이다. 공장의 근로자가 만든 것 같은 인상을 준다. 큰 사이즈로 인해 Dia Beacon 뮤지엄 이외의 다른 곳에서는 전시할 수가 없다. 위의 Judd 의 두 작품은 감상하는 방법에 있어 차이가 있다. Untitled 1965 는 opticality 를 강조하며, 오직 눈으로 감상한다. Untitled 1976 은 관객이 cube 사이 사이를 왔다 갔다 하면서, experience 한다. 관객의 존재가 매우 중요하며 관객이 있음으로써 비로소 작품이 완성된다. 

 

3. Michael Heizer, North, East, South, West 1967/2002  Dia Art      

Minimalist 는 monochrome 을 좋아하며, 특히 흰색, 검은색, 빨강, 노랑 등의 primary color 를 주로 쓴다.
                                                                                         
Michael Heizer, Double Negative, Mormon Mesa, Northwest of Overton, Nevada 1969-70  457 meters long, 152 meters deep, 9.1 meters side



원래 그냥 땅이었는데, 불도저로 밀었다. Minimalist 는 space 와 time 에 대해 고민하다가, 급기야는 야외로 나가는 land art 를 하기에 이른다. Minimalist 의 대부분 작품은 상당한 공간을 차지한다. 작가들은 Site 와 Space 에 대해 궁리하다가 60-70년대 초반에 land 로 나가서 공간을 창조한다. Double Negative 는 땅을 파서 작업을 했기에 destruction 하지만, 파서 옆에 쌓아 논 흙으로 인해 계곡이 생겼으므로, construction 이다. 내가 space 나 site 를 창조 하려함은 땅을 destroy 하는 것 같지만, 동시에 construct 이다. Construction 과 destruction 경계가 애매해 진다.

 

4.예술이란?
에술이 세상의 문제에 대한 solution 을 제공해야 할 필요는 없다. 예술가는 세상을 바라보는 시각에 대해 고민하는 사람이다. 세상에는 consciousness (의식 수준) 이 넓은 사람과 좁은 사람이 함께 공존한다. 예술하는 사람은 consciousness 에 유연성이 있어야 한다. 예술가는 survival 차원에서 벗어나서, life 에 대한 고민, 어떻게 살아야 할까를 계속 생각하는 사람이다.

예술의 정의는 시대에 따라 자꾸 바뀔 수 있고, 특정 예술이 나의 사고 주파수와 틀려도 나의 mode of thinking 을 넓혀야 한다. 우리는 현실에서 네가 나와 다른 의견을 가졌다는 이유로 서로 미워한다. 전학을 자주 다니는 아이, 눈에 뛰고 튀는 아이, 다를 수 있고, 다를 뿐 인데, ‘네가 우리와 달라서 네가 틀린 거야’ 하면서, 증오감의 정도와 강도는 점점 세어져 간다. 학자, 철학가, 예술가는 life 에 대한 engagement 를 죽을 때까지 고민해야 한다. Double Negative 를 한 Heizer 도 이런 고민을 했던 사람이다.

 

5. Richard Serra, Torqued Ellipses II, 1998

미로처럼 되어있다. Serra 도 site 를 확장 시키려는 남 다른 고민을 했다. 큰 scale 의 철로 공간을 만든다. 공간에 들어가면, 어둡고 무섭고 혹은 안락한 여러 느낌이 있다. Judd 가 cube 모양의 box 를 만들어 놓고, ‘경험하세요’ 를 아무리 외쳐도, 관람객은 그 앞에서 쳐다 보기만 한다. 세라의 작품은 site-specificity 이라 불린다. 경험하기 위해서는 실제로 가서 explore 해야 관객은 느낌을 받는다. 공간을 증대시켰고, 관람객의 경험을 증폭시켰다.

 

6. Andy Warhol, Shadows, 1979

Campbell Soup 이나 Marilyn Monroe 처럼 silk screen stencil 처럼 보인다. Pop Artist 는 기존의 image 를 읽어 내는데, 이 작품은 무슨 image 인지 알 수 없다. 하지만 repetition 과 seriality 라는 점에서 minimalism 과 접점이 된다. Irony 한 것은 minimalism 의 반복과 와홀의 반복은 그 의미가 틀리다. Minimalism 의 repetition 은 수학적 개념의 연속성과 anonymity 를 의미하나, 와홀의 repetition 은 mass culture 이다. Campbell Soup 수만 개, Marilyn Monroe 수만 개를 반복함은 대중문화를 뜻한다.

 

7. John Chamberlain, Privet, 1997

폐차 자동차 부품을 가져다가 조각조각 펴서 나무처럼 보인다. 전시 작품 옆에는 폐차를 줒어다가 압축기로 눌러서 쌓아 놓았다. 미국에는 Pop Culture 가 만연하고, 자동차 문화 등이 압도적으로 세상을 lead 한다. 다양한 대중문화가 유럽에 무작위로 흘러 들고, 미국이 icon 화 되고, American Dream 이 전 세계로 퍼져 나간다.  
 
죤 챔버레인은 minimalist 는 아니지만, 동시대에 다른 종류의 installation 을 하던 작가이다. 이미 만들어진 commodity 가 수명을 다 한 후에 그 garbage 를 가지고 art 로 승화시켰다. 죽어있는 것을 art 로 살려내는 작업을 하였으며, minimalist 와는 반대의 길을 간다.

 

8. Dan Flavin, Icon V

Flavin 의 최초 작품으로 monochrome 옆에 형광등을 쫙 붙였다. 형광등을 최초로 예술에 들고 왔고, 그 후에 많은 작가들이 light 를 가지고 실험했다. Flavin 이 형광등 가져온 이유는 무엇인가? 작가들은 새로운 재료나  idea를 자신의 예술에 가져올 때는 역사적 맥락과 철학적 맥락을 생각한다.

 

역사적 맥락으로는 공장 주문하는 minimalist 의 흐름에 일치한다. 형광등도 공장에서 산다. 또한 Art History 에서 light 는 숭고하고 극적인 장면을 의미했다. 르네상스 시대의 그림 ‘수태고지’ 에는 마리아의 예수 잉태 장면에 빛이 있었다. 또한 빛은 태초에 세상을 개벽하는 symbol 이기도 하다. Flavin 의 Icon V 은 이런 역사적 맥락을 건드린다. 그러나 현대에 이르러 ‘light’ 는 더 이상 ‘숭고, 개벽’의 의미가  될 수 없다. 형광등은 이제는 실용적인 공간에 쓰인다. 누가 봐도 숭고한 빛이 들어 오는 공간이라고 해석하지 않는다. 형광등을 모노크롬 옆에  붙여서, Light = 숭고 라는 symbol 은 이제 그 의미를 상실했다고 말하고 있다.  

 

Dan Flavin, Monument to V Tatlin XI 1964,1966                                                                                    


Vladmir Tatlin, Monument to the 3rd International 1920    

Flavin의 위의 작품은 Tatlin 에게 바친다는 제목이 붙어있다. Tatlin 은 러시아 구축주의 작가인데, 브르조아의  향유물 architecture 와 sculpture 를 쳐 부수고, proletarian 계급의 실용적인 construction 을 옹호했다. Tatlin 의 위의 작품은 철물 건축물 monument 인데, 코민테름 (Communist International) 의 위용을 내세우고, 공산주의 혁명의 전 세계화를 support 하기 위해, 그 앞에 에펠탚 보다도 높은 철물 monument 를 세웠다.

 

그런데 Flavin 의 형광등이 Tatlin 의 혁명과 무슨 상관이 있는가? Tatlin 이 조각을 벗어나서 ‘구축물’ 만드는 이유가 utopia 로 가려는 symbol  인데, Flavin 은 예술이 사회에 utopia 를 가져오지 않는다는 의미로, 형광등 monument 를 만들어서, Tatlin 의 utopia symbol 을 부정하고 있다. 마치 그의 작품 IconV 에서 light 의 ‘숭고함’을 부정하는 것과 같이, 형광등 monument 로 Tatlin 의 철물 monument 를 부정하고 있다.

 

9. Joseph Beuys, International View of Fond 1979  (felt 천을 쌓아 둠)         


Project 7000 Eichen (Oak) Kassel, 1982-7

7000 그루의 참나무를 Documenta 가 열리는 Kassel 에 심는 것이 Beuys 의 project 였는데, 5년이 걸려서 다 심었고, 먼저 심었던 나무는 이미 자랐다. Dia Art 는 이 보이스의 long term project 를  전폭 지원했는데, 당시에는 ‘무모하다, 미친 짓이다’, ‘이 작품이 무슨 의미가 있나’ 라는 혹평을 받았다. 이 나무가 Kassel 에 가면 아직도 자라고 있고, 나무 옆의 비석에 기록을 남겼다.

하이저는 가기도 힘든 네바다 사막의 황량한 곳에 가서 작품을 했고, 보이스도 5년이나 걸려서 7000개의 나무를 힘들게 심었다. 나무가 자람에 따라 도시 환경을 바꾼다. 보이스는 ‘everyday life’ 의 idea 에 집착했다. 세라, 하이저의 작품은 그 순간의 경험이지만, 보이스는 자라는 나무를 봄으로써 매일매일 초초 마다 다른 경험을 하게 한다.

 

Joseph Beuys, I Like America, and America Likes Me, 1974 Rene Black Gallery, New York



죠셉 보이스는 미국에 초대를 받고, 어떤 공연을 할까 고민했다. 보이스는 자신의 작품을 보러오는 미국인들에게 이 땅은 당신들의 땅이 아니라, 원래 Native American 의 땅이었음을 performance 를 통해 말하고 있다. Indian 에게는 coyote 는 여러가지로 모습을 바꾸는 transformation 을 하는 animal 이다. Native American 을 연구 하다보니 coyote 를 찾아냈고, 보이스는  coyote 의 ‘변신’의 idea 를 도용해서, artist 를 상처를 치유하는 shaman 으로  position 시킨다. ‘site specific’ 한 공연이다. 보이스는 alchemy (연금술) 에도 관심이 많았다. Minimalism 과는 전혀 다른 방향이다 

 

10. On Kawara, June 16, 1966 Today Series



1966 년에서 2000년까지의 날짜를 쓰고, 그날에 일어났던 사건을 신문에서 찾아서, 같이 진열한다. Seriality 를 통해 minimalism 과 맥락이  닿아있는 Post Minimalist 이다. Flavin 은 예술의 정치적 사회적 맥락을 부정하고 아무 의미가 없음을 주장했지만, Kawara 는 사회적 맥락과 biography 를 minimalism style 로 들고 온다. 

 

위의 작품에는 특정 날짜의 크고 작은 사건을 신문에서 scrap 한 부제가 매일 붙어있다. ‘Two tankers and two tugboats crashed in a fiery disaster in lower New York Bay, 1966  from Today Series – Present’ . Memory 를 건드리고 있다. 산다는 것은 매일을 기억하는 것, 기억하고 싶은 것은 잊혀지고, 기억하고 싶지 않은 것은 생각이 나고, 기억의 작위성에 대한 무서운 이중성을 묻고 있다.

 

11. Sol Lewitt, Wall Drawing #273, Lines to Points on a Grid, 1975

Conceptualism 작가이며 작품이 집요할 정도로 세세하다. Object 와 installation 위주로 작품하며, 전시가 끝나면 작품을 없애고, 못 팔게 한다. Site-specific 작품으로 museum 에서 전시할 때가 아니면 못 본다.

 

12. Bruce Nauman, Mapping the Studio 2001 (Fat Chance John Cage)

Video art 를 많이 한 개념주의 작가이며, 자신의 art studio 를 찍었다.  앉아있는 사람은 관람객이다. 나오만의 고민은 minimalist 는 오직 만들어진 작품 (finished work) 만을 보여준다는데 있다. 그는 ‘art making’ 에 관심이 있었다. 작업이 끝난 후, 아무도 없는 art studio 에 camera 를 설치하여 밤 6시간 동안을 촬영했다. Processed Art 라고 불린다.

플래빈은 형광등을 작품 재질로 써서, 의미에서 벗어나려고 하는 neutral (중성적) 한 입장이지만, 나오만은 형광등에 사회적 정치적 text 를 결부시킨다.  Material 의 절대성은 없으며, 작가가 어떻게 쓰느냐에 따라 여러 해석이 가능하다.

 

Bruce Nauman, Live-Taped Video Corridor 1970

감시 camera 가 설치되어 있어, 관람객이 걸어갈수록 자신의 뒷모습이 작아지는 것이 보인다. 일상에서 우리가 대하는 video 나 거울은 앞 모습을 보여주며 가까이 갈수록 커진다. 나오만의 작품을 통하여, 우리가 살면서 못보는 자신의 뒷모습을 본다.

우리는 경험의 주체가 ‘나’임을 의심하지 않고 산다. 하지만 나오만의 복도를 걸으면 그렇지 못하다. 우리는 시간과 공간 안에서 경험하고 무엇이든 내 눈으로 본다고 믿고 있으나, 자신의 눈으로 볼 수 없는 것도 있음을 일깨워 주는 작품이다. 똑똑한 질문이다.