모마 영구 소장 작품들 3/10/09 > 김미연 아트노트

뉴욕에서 만나는 예술  MoMA Permanent Collection 

Analytic cubism
synthetic cubism(collage)
orphism
futurism
Suprematism/
De stijl (the style)/ neo-plasticism/
abstract expressionism
pop art

 

Moma 5층은 WW2  이전의 Historical Avant-garde 들의 작품을 모아 놓았다.  20세기 미술의 문지기 화가 라고 할 수 있는 세잔과 동시대 작가들은 추상의 길목에 서 있다.  Historical Avant-garde 는  20세기 초반에 cubism 으로 시작는데 1906 년 무렵에 시작하여 1924년 까지 이어진다.

 

Pablo Picasso (1881-1973): cubism 시작 전의 피카소의 초기 그림은 핑크와 청색의 Blue Period, Rose Period 로 분류되며, 우울한 주제를 주로 다루었다.

 

 

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon 1907
면이 부서지는 cubism 이다. 항상 아방가르드의 선봉에 서 있는 피카소는 매년 새로운 style 을 내 놓았으며, 아버지가 미술선생 이었고, 어렸을 때부터 천재 소리를 들으면서 자랐다. 아비뇽의 처녀들에서 여자들의 얼굴이 당시의 primitivism (원시주의) 의 영향을 받아 African Mask 처럼 보인다. 이 작품은 Henri Matisse 가 1905년에 그린  The Joy of Life 에 대한 피카소의 반응으로 해석되기도 한다.

 

The Joy of Life 는 arcadia (전원적인) 주제로서 paradise 적 개념을 나타낸다.  몇 백년 동안 박카스 비너스 등 신들의 벗은 몸만 만 그려져 왔는데, 마네가 1865년에 창녀 Olympia 를 내놓아 기존의 개념을 뒤업었다. 이와 마찬가지로 마티스의 The Joy of Life 도 그 당시에는 망친 그림이라는 혹평을 받았다. 그 이유는 이 때까지의 고정관념과 전혀 틀리게 그렸기 때문이다.  기존의 화법은 빛에 의한 원근법에 의거하여 선 없이 사람의 모습을 사실처럼 그려야 하는데, 모든 윤곽을 선으로 뚜렷히 그렸다. 나무를 엉터리 색깔인 빨강으로 칠하고 선으로 테두리를 하는 등 원근법에 전혀 맞지 않았다.

 

마티스는 적나라한 ‘야수’ 같은 색깔을 쓴다 해서 야수파라고 불리며 1904-1906 년 동안 야수파에 가담하지만 야수파는 그 이후에는 없어진다. 그는 색이 더 이상 그림에 종속되는 tool 이 되기를 원치 않았고, 색깔을 해방시키고 싶었다. 저 나무는 내게 불타는 느낌을 주므로 ‘red’ 로 한다. 즉 색 자체에 ‘역활’을 부여한다. 색을 건드린 화가는 마티스이고, line 을 건드린 화가는 피카소 이며 이 두 대가가 기존의 방식을 뒤업고, line 과 color 를 해방시켰다. 

 

르네상스 미술에서는 여신, 귀족 부인 등을 아름답게 그렸으며, 특히 여신의 reclining nude 는 중요한 자리를 차지하고 있었다. 그런데 피카소는 아비뇽 이라는 유명한 사창가의 창녀를 비스듬히 눕히지 않고 세워서  그림에 등장시켰다. 또한 원근법을 깨뜨린 마티스의 계보를 이어받아 피카소는 line 을 부수고,  면은 파편을 내고 황토색 청색을 많이 쓴다. 이것을 cubism 이라 부른다. 면을 부수는 analytic cubism 은 1910 년까지 했고, 1912 년 이후에는 종이를 오려 붙이는 synthetic cubism (통합적 큐비즘) 을 했다. 20세기 아방가르드는 primitivism (원시주의) 에 관심 많았다. 도시에서 멀리가서 utopia 를 찾고, 식민지의 African mask 를 그림에 가져왔으며, 이 때부터 추상이 시작된다.

 

 

  


Picasso, Girl with a Mandolin 

 

피카소의 아코디온이스트에서는 손과 얼굴의 모습을 조금 찾을 수 있다  브라크의 The Portuguese 에서도 형태를 추측할 수 있다. 파카소와  브라크는 색깔에 무관심하여 황색 적갈색을 많이 쓰고, 면은 조각을 내고 선과 형태에 관해 진지하게 연구하였다.

Analytic 큐비즘과 동시대의 movement 로는 다리파, 청기사파, 및 German Expressionism 이 있으며 회화가 utopia 를 제시해야 한다고 주장했으나, 파카소와 브라크는 유토피아에 관심 없었다, 이 두 거장은 analytic 큐비즘을 2-3년 하다가 synthetic 큐비즘인 collage로 옮겨갔다. 19세기 초에 야수파의 마티스는 색깔을 해방시켰고, 이것은 monochrome 으로 발전된다. 또한 피카소의 격자무늬는 grid 로 끝맺음을 하여 minimalism 을 가져온다.

 

 

             

Picasso, Still Life with Chair-Caning 1912     

                                 


Picasso, Green Still Life 1914    

  

                 
Brague-Fruit Dish Glass 1912                           
브라크의 Fruit Dish and Glass 에서는 나무결 벽지를 붙인 콜라쥬가 새롭게 보이며 파카소의 Guitar, Sheet Music & Wine 에서도 콜랴쥬가 등장하여 synthetic 큐비즘의 시대가 열렸음을 위의 작품들 (Synthetic 큐비즘의 작품) 은 보여준다.

Picasso-Guitar, Sheet Music & Wine 1912

Guitar, Sheet Music & Wine Glass 에서 Guitar 의 파편을 함께 모아 놓으니까 guitar 처럼 보인다. Guitar 조각을 따로 놓으면 guitar 로 보이지 않는다. sign system (기호체계) 는 context (맥락) 안에서만 가능하다. Sign 은 특정의 약속된 contextual 안에서만 가능하다. Red stop sign 도 사회의 약속에 의해서 '멈춤' 으로 읽힌다. 피카소는 글짜를 그림 안에 최초로 들고 왔고, mass culture 인 신문을 들고 왔고, sign system 이 특정의 context 안에서의 약속에 의한 것임을 보여 주었다.

 

위의 파카소의 Guitar, Sheet Music & Wine Glass  안에 있는 ‘The Battle is Engaged’ 는 신문의 head line 문구 이다. 발칸반도 전쟁을 의미하며, 피키소는 anarchist (무정부주의) 로서, 그의 정치색이 암시되어 있다. Le Jou 는 신문이름 이기도 하지만, play 라는 뜻도 있다. 관객과 함께 말장난 하자는 의미로도 풀이된다. 피카소의  이 작품으로 몇 백년 기존의 art 개념이 깨어진다. 사고와 가능성이 이만큼 넓어지고, 새로운 것이 시작된다. 더 이상 art 가 narrative/story 를 안 들려준다. 관객에게는 art 가 어려워지기 시작한다. 

 

다음의 그림들은 피카소의 analytic 큐비즘을 나름대로 이해한 당시의 유럽의 동시대 화가들의 작품들 이다. 유럽의 화가들은 analytic 큐비즘이 너무 쇼킹하여 계속적으로 연구하고 토론하고 공부해서 작품을 내 놓는다. 그러나 이때 피카소는 이미 synthetic 큐비즘으로 넘어가고 있었다. 그 당시의 유럽의 analytic 큐비즘의 화가로는 Albert Gleizes, Juan Gris, Fernand Leger 등이 있었다. 알버트 글레이저는 자기 나름대로 피카소를 이해하고 해석한 큐비즘에 대한 책도 발간했다. 쥬안 그리스는 The Table 에서 원근법의 질서 정돈 무시하고 공간을 재정립 하였고, 당시 피카소의 꼴라쥬를 보고 Still Life and Town Space 에 “Le Jour” 라는 글짜를 그려 넣기도 했지만, 이것은 피카소의 꼴라쥬를 제대로 이해하지 못한 것 이다. 


                                  
Albert Gleizes,Harvest Threshing 1912                   


Juan Gris-The Table 1914


Juan Gris-Guitar & Sheet of Music 1926        

퍼르난드 레제의 Nudes in the Forest 는 초창기의 큐비즘 작품으로 사람의 몸을 분석하고 분활하여 로버트를 보는 듯하다. 나중의 1913년에 나온 Contrast of Forms 에서는 사물을 더 이상 분석하지 않고 form 형태 자체를 가지고 탐구했다. 피카소는 원색은 쓰지 않았지만 레제는 강렬한 원색을 가지고 basic form을 분석했다.

 

레제는 The City 에서 도시의 모습을 네온사인 조각, 사람의 어렷품한 모습등으로 정확히 그리지 않았지만 전달은 된다. 로버트, 간판, 송신탑이 애매하고 정신없이 조합되어 있지만 전달하고자 하는 메시지는 나타나 있다. 재현에서 멀어졌지만 완전 추상이 아니라서 형태를 찾을 수 있다. 이제부터는 회화가 재현을 벗어던지고 평면적인 매체가 됨과 동시에 지적인 영역으로 들어가서 대중에게 어려워지기 시작하고 있다

 

1. Robert Delaunay, Simultaneous Contrasts: Sun and Moon 1913
당시에 광학이 발견되어 빛을 연구하는 경향이 있었다, 빛의 분활을 그림으로 옮긴다. 오피즘은 분석적 큐비즘과 비슷하지만 색깔이 화려하다. 모마에 있으며 원형 캔버스에다 그렸다. 1913년 무렵에는 과학에서 4th dimension 의 개념이 소개되었고 또한 엑스레이가 발견되어 사람의 몸의 관통이 가능해졌다. 맨눈으로 인지하던 세상 말고, 눈의 한계로 말미암아 볼 수 없었던 4차원의 세계가 있을 수 있다는 생각으로 이런 그림이 나왔다.
 


2. Frantisek Kukpa, Disks of Newton 1911-12 (study for figure in two colors)
19세기 말 20세기 초에는 Christianity 와 멀어지고 이상한 종교가 팽배했다. 자본주의, 산업주의가 만연해지고 사회적인 value, family value 가 흔들리고 기존의 종교가 아무런 역활도 못하자, 세상을 바라보는 새로운 시각이 필요했다. 흰두이즘을 위시하여 새로운 종교가 주는 spirituality 에 사람들의 관심이 쏠렸다. 오피즘 화가들은 spiritual 한 시각으로 새로운 세상을 찾고자 했다. 그래서 light 에 관심을 갖고 빛 자체를 그리고자 하였다. 이전의 피카소는 빛의 소스를 알 수 없어서  공간을 분해해서 그렸다. 이전에는 빛에 의한 그림자나 명암만 제시했고 빛을 그릴 수가 없었다. 델루네,쿠카는 빛에 의해 사물이 인식되고 빛 자체를 주제로 삼아 multi color 로 그렸다. 
 
   

3. Sonia Delaunay (Delaunay’s wife) Blanket 1910
오피즘의 이념을 그림이 아닌 이불조각보에다 응용했다. 소니아 델루네는 러시아인으로 남편인 로버트 델루네를 위해 청기사파 칸딘스키의 글 Concerning the Spirituality in Art(1911)를 번역하여 델루네의 스승 역활을 하였다. 칸딘스키는 회화가 아무 것도 재현하지 않는 음악처럼 되는 것이 목적이라 하였다.


 
4. Francis Picabia, Catch as Catch Can 1913
피카소와 브라크는 정물을 분석함으로써 움직임을 그리지 못하는 회화의 한계성를 보였으나 파카비아는 레슬링의 역동적 움직임을 분활함으로써 동작을 그림으로 그렸다. 많은 화가들이 분석적 큐비즘을 응용해서 면의 분활을 통하여 움직임을 표현했다.

 

5. Marcel Duchamp, Nude Descending a Staircase 1912                   


Portrait of Chess Player        
뒤샹도 피카소의 분석적 큐비즘을 이용하여 연속적인 기법, 순간의 움직임의 연속성을 보여주었고, 피카소처럼 색체를 단순화했다