1차 대전 이후의 소련(2)과 미국 11/20/09
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작성자 뽕킴 댓글 0건 조회 8,269회 작성일 10-01-28 01:37
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근대 국가의 근대 미술 9th hour: Soviet Union after WW1(2) / 10th hour: U.S. after WW1
Constructivism 구축주의 1917년 혁명 후 소련에서 공산주의 사회를 건설하려는 열망으로 노동자를 위한 실용적인 예술로 사용할 수 있는 구축물에 촞점을 맞춘다.
Productivism 생산주의, productive art, 상품, 물품에 더 집중한다. 모든 예술가들이 예술적 탐구는 완전히 버리고 쓸 수 있는 물품을 위한 예술만이 존재한다.
Socialist Realism 사회주의적 사실주의 러시아 혁명 이후 스탈린이 러시아 아방가르드의 작품을 브르조와적이라고 퇴출시키고 정치선전을 위한 예술을 국가적으로 부흥시킨다.
Regionalism 지역주의 미국의 대공황 때 도시에서 활동하던 작가들이 귀향하여 시골의 농부, 노동자의 미국적인 모습을 화폭에 그리며 미국성을 강조한다.
Precisionism 정밀주의 1920년 대에 미국에서 시작된 운동으로 정확하게 사실적으로 (precise figuration) 그린다. 확대시켜 정밀하게 묘사한다.
Photo Montage 포토몽탸쥬 포스터에 주로 쓰이는 방법으로 사진을 이용한다.
9th hour: Soviet Union after WW1(2) 
Vladmir Tatlin, Model for Monument to the Third International, 1919-1920
위의 monument 는 공산주의의 세계화를 위한 건축 model 인데 engineering 면에서도 현실적으로 성립될 수 없는 꿈이었다. 1917년 10월 혁명 후 소련은 utopia 적인 열망을 가지고 communist 국가로 가려는 과정에 있었으며, proletariat 예술에 대한 대대적인 고민을 시작했다. Czar 체제를 벗어난 그들은 노동자가 느낄 수 있는 예술을 구상하기 시작했다. Vladmir Tatlin 은 constructivism 에 커다란 영감을 주었고, 러시아 avant-garde 에게 중요한 것은 material 을 바꿔야 하는 것 이었다. 기존의 조각을 만들 때 썼던 대리석이나 청동이 아닌 steel, concrete, glass 등의 industrial material 을 새로히 가져왔다. 또한 그들은 architecture 에 새로운 관심을 보였다. Bauhaus 시절에 건축이 예술이고 예술이 곧 건축이었던 것 처럼, constructivism 에서도 건축의 역활이 컸다. 피카소의 꼴라쥬 경우에는 새 재료인 신문이나 벽지를 canvas 에 오려서 썼으나, 러시아 avant-garde 입장에서는 새 재료를 기존의 재래 방법인 canvas 에 붙인다는 것은 적당하지 않았다.
Counter Relief 1915
새로운 재료를 위해서는 새로운 형태의 예술이 나와야 했다. Counter Relief 같은 작품이 iron, copper 등의 성질을 가장 잘 살릴 수 있는 작품이다. 피카소의 혁명적인 실험과 비교했을 때 러시아 avant-garde 들은 자기 표현력, 무의식 잠재의식을 겨낭한 것이 아니라 형식적 탐구만을 했으며, 이 작품이 어떻게 사회적, 혁명적 기능을 할것인가에 촛점을 맞추었다.
문학적인 배경
Maxim Gorky 1868-1936 
Ivan Alekseyevich Bunin 1870-1953
맥심 코르키는 레닌의 친구로서, 그의 집은 볼세비키 혁명 지도자들의 토론의 장소였다. 그는 혁명이 일어나기 10년 전인 1907 에 Mother 를 출판한다. 혁명정신과 노동자 계급, 공장 노동자를 둔 어머니의 삶을 그린 책으로 어머니의 생을 이해 못 하고 술만 먹뎐 아들이 갑자기 노동자 혁명 운동에 가담하고 감옥에 투옥이 된다. 어머니는 아들을 구명하기 위해 아들 친구를 찾으러 가서 혁명에 눈을 뜨고 마침내 중요 조직원이 된다. ‘나같은 무식한 아줌마는 검열에 안 걸린다. 그래서 중요 전단지를 전달한다.’ㅡ 매맞는 아내, role 에 따라 살던 여자가 혁명가가 되는 일생을 그렸다. 지성인들이 꿈꾸던 사회, czar 체제가 아닌 모두가 평등한 사회, 브르조아가 타파되는 사회를 그렸다. 부닌은 러시아인으로서 최초로 노벨상 수상 작가이며, 러시아의 사회적 일면을 소설을 통해 그렸다. 타틀린과 소련의 아방가르드가 꿈꾸던 세계는 예술 작품과 소설에서 잘 나타나 있다.
예술적인 배경
Aleksander Rodchenko, Hanging Construction 1920
Aleksander Rodchenko, Assembling for a Demonstration 1928-30
Hanging Construction 은 나무로 만들었는데 철의 느낌이 나도록 색칠했고 받침대가 있는 기존의 조각과는 달리hanging 되어 있다. 실용적으로 공중에 매달려 있어 노동자를 위한 예술이다. 1920년 대는 기존에 없었던 새로운 작품들이 많이 나온다. 이 작품들에게서 이념적 역사적 기름끼를 쫙 뺀 작품들이 minimalism 이며 40-50년 후에 등장한다. 1960년 대 활동한 minimalist 는 1920년 대를 살지 않았으므로 역사적인 이념을 이해 못하고 그래서 형식적인 미적 탐구만을 하게 된다.
혁명 이후의 러시아에는 painting 은 사라지고 사진, 영화가 부각된다. 기존의 사진의 역활은 document, evidence 혹은 예쁘고 웅장한 영감을 주는 것이었으나 로드첸코는 시대가 바뀌었으므로 사진 찍는 방식도 바꿔야 한다고 생각했다. 사진의 새 구도를 도입하기하기 위해 사진 찍는 방식을 바꿔야 하므로 Assembling for a Demonstration 에서 위 아래의 수직으로 보는 구도로 찍었다. 세상을 바라보는 방식을 바꿔야하기 때문에 예술 작품의 방식도 바꿔야 한다. 사진 찍을 때 보는 방향도 새 방향이어야 한다.
László Moholy-Nagy, Photogram No.II 1925 
Untitled Looking down from the Radio Tower Berlin 1928
모홀리 라쥬라는 Photogram No.II 에서 새방식을 사진에 도입했다. 사진은 원래 print 인데, camera 를 쓰지 않고 인화 print 위에 사물을 놓고 빛을 쪼여서 나온 작품이다. 이런 식으로 기존에 있던 사진의 정의를 바꾸는 작업을 했으며 계속해서 새로운 형태의 예술을 내놓아 proletariat 를 위해 예술이 사회에서 좋은 역활을 하기를 바랬다. Bauhaus 도 constructivism 과 연계되어 있었던 것처럼 러시아도 더 이상 art for art 가 아닌 art for society, art for proletariat 를 향해 간다.
El Lissitzky, Proun room 1923
El Lissitzky, Construction 99 (Proun 99), 1924-25
Geometric abstract 의 설계도면 같은 작품이다. 리스츠키는 School for Proletariat 에 교수로 초빙되면서 프롤레타리아를 위한 새로운 형태의 예술을 제시했다. 어제까지 공장에서 주물을 뜨던 사람이 프롤레타리아를 위한 학교가 생겼다는 얘기를 듣고 class 에 그냥 들어와 앉았다. 프롤레타리아를 계몽시켜 더 큰 혁명의 세계로 나가 공산주의 국가를 함께 만듬이 목적이다. 노동자를 계몽, 교육시켜서 같이 동참하는 형태의 혁명을 해야 하므로 아예 예술에서 구도 composition 을 없애고 construction 을 계속 지지하는 쪽으로 나간다.
Composition 을 중요시 했던 Kandinsky 같은 작가는 점차로 입지를 잃어간다. 캔버스를 통한 그림은 없어지고 말 그대로 생활에서 보고 쓰는 것이 훨씬 가치가 있다고 생각한다. 예술+ design 이 함께 결합된 공간을 만듬이 이상적이라 여겨 리스츠키는 Proun Room 같은 작품을 만든다. 하나의 공간 자체를 변화시켜 새로운 공간을 창조하는 것이 리스츠키의 꿈이었다. 그는 전시 의뢰의 commission 을 받고 관람객이 미닫이 형태로 만지고 경험하는 새로운 전시 형태도 만들어 낸다. 그는 상당한 sensation 을 불러 일으켰고 저것이 proletariat 를 위한 새 전시 형태구나 하고 사람들은 자각한다.
El Lissitzky, The Constructor Self Portrait 1925
사진+도면+글자가 합해졌다. 10월 혁명 전에는 볼 수 없었던 새로운 형태의 예술이 쏟아져 나온다.
Alexander Rodchenko, Untitled Advertising , Poster 1924
Propaganda 적 예술이 많이 나온다. 러시아의 구축주의는 poster design 을 가장 proletariat 적 예술로 여겼다. Poster 는 original 이 없이 다량으로 찍어내어 길거리의 생활 공간 안에 전시되는 예술이다.
Alexander Rodchenko (1891-1956) and Varvara Stepanova (1884-1958)
스테포노바는 ‘그림은 죽었다’ 라고 하였다. 로첸코는 사진과 구축물을 하였고 스테포노바는 textile design 과 노동자가 입는 옷을 design 했다.
Varvara Stepanova, Design for Sports Clothing 1923
의류, 가구, 스포츠 등이 다 design 으로 융합한다. 기하학적 형태의 옷이며, 추상이 사회적 기능을 할 수 있음을 보여준다. 추상이 전에는 형식, 미적 탐구로 canvas 에만 존재했으나, 구축주의와 바우하우스는 쓰고 입을 수 있는 design 을 한다.
Gustav Klutsis, Let Us Fullfill the Plan of the Great Projects 1930
John Heartfield, The Meaning of the Hitler Salute: Little man asks for big gifts 1932
같은 시대에 poster 가 소련과 독일에서는 서로 다른 목적으로 쓰였다. Photo montage가 소련에서는propaganda 의 성격을 띄고 꿈이 가득한 선전 예술로 쓰인 반면, 독일에서는 사회적 각성이 담긴 사회비판이 목적이었다. 대중이 mass media 에 실리는 것을 거르지 않고 다 진실이라고 받아들임을 비판하였다.
Marc Chagall, The Birthday 1915
샤갈은 러시아 영토에서 태어난 Jewish 이다. 러시아 지도층에서 proletariat 를 어떻게 계몽할까를 고민하던 중 파리에서 활동하고 있던 샤갈을 1920년에 선생으로 초빙했다. 샤갈의 예술은 constructivism 과는 달랐고 오히려 surrealism 에 appeal 하였다. 그러나 샤갈 자신은 잠재의식이나 무의식에 전혀 관심이 없었고 초현실주의를 거부했다. 또한 러시아는 이런 그림을 받아들일수 있는 사회 분위기가 아니었다.
Marc Chagall, The Green Violinist 1923/24
Marc Chagall, Ceiling of Paris Opera
샤갈은 초록, 빨강등의 화려한 원색을 많이 쓴다. 일차 대전 전에 self- expression 에 했던 것과 비슷하며, 말레비치의 The Last Futurist Exhibition in St. Petersburg 와는 너무 다르다. 러시아 아방가르드에게는 말레비치의monochrome 이 중요했으며, ‘샤갈의 이런 종류의 그림은 칸딘스키가 허황된 생각을 하던 시절에 이미 했어’ 하며 받아들이지 않았다.
Kazimir Malevich, Suprematism 1918
The Last Futurist Exhibition 1915
Composition, White on White
새로운 형태의 예술을 위해서는 러시아 아방가르드에게 가장 중요한 3 가지가 있었는데, 첫째는 material 을 바꿔야 하고 둘째는 예술이 구축주의로 나가야 하며 셋째는 material 의 성질을 가장 잘 살릴 수 있는 새로운 예술 형태를 찾아야 했다. 샤갈의 그림은 oil paint 가 그림을 나타내기 위한 도구로 쓰였지 유화의 성격을 보여주기 위한 것이 아니다. 말레비치는 Composition, White on White 와 Suprematism 에서 오직 material 의 성격만을 강조하기 위해 가장 단순한 basic 형태로 돌아갔다.ㅡ 사각형, 삼각형 땡, 하얀색, 까만색 땡. 그 이상 뭐가 없다.
Olga Rozanova Untitled (Green Stripe) 1917-18
그냥 green line 하나를 쭉 그어서 보여줄 뿐이다. 러시아 작가들이 이런 monochrome 을 최초로 하였다.
Alexander Rodchenko, Pure Red Color, Pure Yellow Color, and Pure Blue Color 1921
물감 자체의 material 에 충실한 위와 같은 작품을 통하여 물감의 성격만을 철저히 보여준다. 로드첸코는 회화의 종말을 선언했고 앞으로는 건축, 구축만을 할거라고 단언하였다. 이 뒤로는 러시아 예술에서 painting 의 장르는 없어지고 poster, 구축물만이 남는다.
러시아 예술가들이 처음에 Constructivism 을 들고 나올 때는 그래도 예술적 탐구와 사회적 기능의 중간 in between 에 있었으나, 이후에 Productivism 으로 바뀌면서 생산주의, productive art, 상품, 물품에 더 집중한다. 모든 예술가들이 기차 design 그림을 그리고 공장 건설을 하고, textile designer 로 일한다. 예술적 탐구는 완전히 버렸고 계속 쓸 수 있는 물품을 위한 예술만이 존재한다. Artists as producers, engineers 로만 존재하게 되자 Kandinsky 같은 예술가는 굉장히 불편해 했다. 말레비치 역시 ‘혁명 기쁘다. 그러나 혁명의 여러 결을 다 동의할 수는 없다’는 입장이 되었고, 맥심 고르키도 나중에 레닌을 비판하고 communist 와 틀어진다. Stalin 이후 한사람의 독단이 너무 세어져서 폭력적으로 가는 것 같아 보였다. 또한 혁명 후 10년이 지나도 노동자의 처참함은 하나도 달라진 것이 없었다. 쏠제니친 Solzhenitsyn 은 1918년에 Dr. Zhivago 같은 반체제 소설을 발표하고 말레비치는 레닌, 스탈린 같은 오직 1명의 지도자가 이끄는 정부를 수용할 수 없다는 무정부주의자의 입장을 취하게 되었다.
10th hour: U.S. after WW1
Marcel Duchamp, Fountain, Porcelain Urinal, 1917
역사를 들여다보면 동 시대에 다른 장소에서 다른 세상을 꿈꾸는 사람들이 많이 있음을 알게 된다. 1917년에 고르키는 어머니라는 소설을 발표하고 피카소는 아비뇽의 여인들을 그리고 레닌은 파리에서 기차를 타고 러시아에 가서 볼세비키 혁명에 성공하고, 뒤샹은 미국에서 변기를 출품하는 이런 엉뚱한 짓을 하였다. 평등한 예술 사회를 꿈꾸는 협회 Jury Free Exhibition 라기에 어떤 작품도 다 받아준다고 해서 출품했더니 못 받아준다고 한다. 뒤샹은 협회의 위선적인 태도에 딴지를 건다.
Picabia, Portrait of a Young American Girl in a State of Nudity 1917
Dada 는 반예술 anti art 이며 세상을 달리보자는 의도이다. New York Dada 는 1915-1920 년 동안 계속되었고 1917년에 미국이 1차 대전에 참전하자 피카비아는 다시 프랑스로 돌아가고 New York Dada 는 이름만 남는다. New York Dada 는 기계에 대한 관심이 많았다. 그러나 독일과 프랑스는 기계를 전쟁의 화신으로 부정적으로 보았고, 러시아는 혁명 박차를 위해 그들의 산업화에 필요한 기계를 전폭적으로 수용하였다. New York Dada 의 멤버인 피카비아는 기계를 미국 자본주의의 풍요로움의 상징으로 여겼고, 2차 대전 전까지 기계를 긍정적으로 보았다.
문학적인 배경
TS Eliot 1888-1965
~~ April is The Cruellest Month. T.S.Eliot
April is the cruellest month,
breeding Lilacs out of the dead land,
mixing Memory and desire,
stirring Dull roots with spring rain.
Winter kept us warm,
covering Earth in forgetful snow,
feeding A little life with dried tubers.
(from The Waste Land)
~~ 사월은 가장 잔인한 달 T.S.Eliot
사월은 가장 잔인한 달
죽은 땅에서 라일락을 키워내고
기억과 욕망을 뒤섞고
봄비로 잠든 뿌리를 뒤흔든다.
겨울은 따뜻했었다
대지를 망각의 눈으로 덮어주고
가냘픈 목숨을 마른 구근으로
먹여 살려 주었다. (‘황무지’에서)
Gertrude Stain 1874-1946 
Ezra Pound 1885-1972 
F. Scott Fitzgerald 1896-1940
1차 대전과 2차 대전 사이는 미국의 문학에 있어서 무척 중요한 시기이다. 1920년대를 거투르드 스타인은 잃어버린 세대 Lost Generation 라고 불렀다. T.S. Eliot 의 유명한 시 April is the Cruellest Month 가 있었고, Fitzgerald 는 위대한 갯츠비를 썼다.
Ernest Hemingway 1899 - 1961 
A Farewell to Arms 1929
William Faulkner 1897 – 1962 
The Sound and the Fury 1929
John Steinbeck 1902- 1968 
The Grapes of Wrath 1939
미국은 1920년 대까지는 풍요를 누렸지만 1929년에 대공황이 시작되고 1930년 이후 거품 경제가 사라진다. 20년대의 풍요와 30년대의 극심한 가난으로 천당과 지옥을 왔다 갔다 했으나 문학적으로는 풍요로운 작품이 쏟아져 나온다.
예술적인 배경
Alfred Stieglitz at his gallery “291” in 1934
알프레드 스티글리츠는 사진작가이면서 291 Gallery 의 주인으로서 유럽 아방가르드의 예술을 뉴욕에 소개했다.
피카소, 마티스를 알렸으며 유럽의 modern art 를 미국에 소개했다.
Georgia O'Keeffe 1887-1986 
Black Iris 1926
죠지아 오키프는 스티글리츠의 부인으로 꽃 그림을 주로 그렸고, 확대시켜 정밀하게 묘사하는 precisionism 정밀주의 참여 작가이다. 1920년대에 시작된 운동으로 정확하게 사실적으로 (precise figuration) 그린다. 오키프의 그림을 놓고 사람들은 ‘꽃이니까 여성적이다. Black Iris 에서 꽃 수술은 여자의 성기를 상징한다.’ 등의 평을 하지만, 오키프는 ‘나는 그런 의도가 아니다. 당신은 꽃을 보는 것이 아니라 당신이 보고 싶은대로 본다. 꽃에 여성적인 뭐가 있느냐?’ 하고 반문한다. 또한 그녀의 그림을 feminism 관점에서 사람들이 평하자, ‘나는 그런 관점이 아니다.’ 라고 했다.
Charles Sheeler 1883 - 1965 
My Egypt 1927
챨스 쉬일러는 미국적인 산업주의의 영향으로 여기 저기 생기는 고층 건물과 공장 모습을 precise figuration 으로 그렸다.
Charles Sheeler, American Landscape 1931
미국의 precisionism 은 유럽의 추세와 비숫했다. 당시 독일은 패전국의 비참한 현실을 보여주는 New Objectivity 신즉물주의 운동이 있었고, 프랑스는 지긋지긋한 추상을 탈피하는 Realism 으로 가고 있었다. 미국은 1920년 대의 잘 먹고 잘 사는 미국을 보여주는 사실주의가 유행하고 있었는데, 유럽의 추상이 소개된 후에 뒤늦게 추상을 시작했으므로 추상과 사실주의가 동시에 진행될 수 밖에 없었다.
그런데 공황이 터지고 더 이상 잘살 수가 없게 되었다. 경제가 힘들어지면 미술가와 gallery 등이 먼저 힘들어진다. 도시생활이 힘들어진 artists 들은 Missouri, Mississippi, South Dakota 등으로 귀향한다. 작가들이 고향에 갔더니 아직도 그대로 농사짓고 도시의 산업화는 전혀 볼 수가 없었다. 마치 도시의 문명이 허상처럼 느껴졌다. 진짜 미국의 모습은 무엇인가? 시골의 고향에서 농사짓고 노동하며 사는 사람이 진짜 미국적이구나.ㅡ 지역주의 Regionalism 운동이 탄생한다.
Thomas Hart Benton, The Lord is My Shepherd 1926
시골의 노부부가 고된 하루 일과를 끝내고 밥먹는 장면을 길게 엿가락처럼 늘려서 그렸다(elongate). 토마스 하트 벤슨은 미국의 좌파 계열 지성인으로 아버지는 정치인이고 유럽에 가서 공부했고 뉴욕에서 활동하다가 대공황 때 귀향하였다.
Hart Benton, A Social History of Missouri in 1937 State Capital at Jefferson City
벤톤의 눈에는 자본주의의 모순이 적나라하게 보였다. ‘그날 벌어서 먹고 사는 사람들의 예술은 뭘까?’ 하고 생각하던 중 1920-30년 대의 멕시코의 Rivera Diego 의 벽화 장르가 눈에 들어온다. 팔리지도 않는 예술인데 하고 벤톤도 벽화를 그린다.
벤톤의 그림과 존 스타인벡의 분노의 포도 등에서 당시의 대공황 때 먹고 살기 힘든 처참한 현실을 적나라하게 보여준다. Roosevelt 대통령은 New Deal 정책의 분파로서 Farm Security Administration 라는 단체를 개설하여 sociologists 들을 시골인 Mississippi, Alabama, Iowa 등에 파견하여 농촌의 실상을 사진을 찍고 기록하게 하였다. 대공황 시대에 농촌의 소작농들의 상황은 상상이 안될 정도로 비참하였다.
Thomas Hart Benton, Steel, from the America Today Murals, 1930
Edward Hopper , The House by the Railroad 1925
19세기 말 인기있던 건축 형태의 집이 산업발달로 인해서 기차길 옆에 버려진 채 황폐해져 보인다. 낭만적인 세상은 더 이상 없다. 영광스럽고 아름다웠던 시절은 이제 끝났다. 호퍼의 그림은 우울하고 정적이며 melancholy 하다.
Edward Hopper , Early Sunday Morning 1930
경제난에 시달려서 사회 전체 분위기가 조용하고 우울하다. 사람들이 여관, 호텔방 안에 가만히 앉아 고독한image 를 풍긴다. 미국의 image 가 이런 식으로 맞물려 들어간다. 사실주의적으로 그리는데 독일과 프랑스의 realism 과는 또 틀리다.
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Sleeping Muse 1 1909-1910, Constantin Brancusi 
The Beginning of the World 1920
유럽에서 온 아방가르드들이 막 소개가 되기 시작하고 modern 한 형태의 조각 작품이 미국에 노출되기 시작한다. Constantin Brancusi 의 조각은 Sleeping Muse 1 의 figure 에서 The Beginning of the World 의 단순 추상형태로 넘어가서 10년 사이에 작품 속의 사람 얼굴이 단순해졌다. 예술 작품 밖에 있는 것을 재현하지 않으므로 얼굴을 그대로 묘사하지 않고 오직 ‘essence’ 만을 보여준다. 세상과 사람의 시작은 ‘알’에서 부터이다.
브
Torso of a Young Man 1924 
The Kiss 1916 
Endless Column 1937-8
브랑쿠지는 The Kiss 에서 사람을 단순화시키고 kiss 의 essence 만 보여주며, Torso of a Young Man 은 기존 조각의 주요 material 였던 브론즈를 assistant 를 시켜 알루미늄 같은 industrial 재질처럼 보이도록 광을 냈는데, 나중에 오는 미니멀리즘에서 사용하는 재질이다. Bronze, marble 에서 stainless steel 등으로 넘어간다.
Endless Column 의 ‘반복’ concept 도 미니멀리즘에 영향을 주었다. Minimal 이란 뜻은 reductive 하게 줄여서 군더더기를 없앰이며 예술적 탐구가 목적이다.
Constantin Brancusi, The Bird in Space 1927
예술작품은 관세가 없는데, The Bird 는 kitchen utensil 로 보여서 공항 직원이 tax를 부가하자, 법원까지 가서 ‘이것이 새냐 아니냐?’ 하고 논란이 되었던 작품이다. 새의 essence는 ‘비상’ 이다. 하나의 움직임만 잡아내어 작품의 autonomy 를 살린다. 새를 representation 하지 않고 예술 자체로서 오직 존재한다. 그림 만이 할 수 있는 것, 조각만이 할 수 있는 것 ㅡ 그것이 마티스의 추상의 개념이었다. 20세기 예술은 representation 하지 않고, 진수만 표현한다.
The Bird 는 관세 때문에 전시 못 하고 scandal 을 불러 일으킨다. ‘예술작품이니까 관세를 못내요. 새예요’ ‘어디가 새야?’ 스티글리츠는 예술가를 대표하여 ‘예술 작품이다. 프랑스에서는 이걸 작품이라고 전시하는데 우리나라 미국에서는 이해를 못 하냐? 답답하다’ 라고 주장했고, 세관에서는 ‘작품이 아니다’ 하는 기나긴 법적 공방 끝에 ‘새다’ 라고 판결이 난다. 사회적 issue 가 되었던 문제의 작품이다. 브랑쿠지는 유럽의 아방가르드로서modernism 을 소개한 중요 작가이다.
Alexander Calder, Lobster Trap and Fish Tail 1939
뒤샹이 1920년 대 후반에 바람이 조금만 불어도 움직이는 Kinetic-Sculpture 를 mobile 이라고 이름 붙였다. 로첸코는 프롤레타리아와 사회적 기능을 위해 구축물을 만들었지만, 캘더는 프롤레타리아를 위한 것도 아니고 사회적 기능을 위한 것도 아닌 미적 탐구를 위한 mobile 을 만들어냈다. 캘더는 그림을 canvas 가 아닌 공간에 그릴 수 없을까를 연구하였다.
Alexander Calder, Red Lily Pads 1956
약간 스쳐도 움직이며 기존의 조각을 넘어서는 새로운 형태를 만들기를 원했다. 동시에 소련에서는 로첸코가 비슷한 구축물을 하고 있었다.
Arshile Gorky, The Artist and His Mother 1926-1936
샤갈은 1940년에 미국에 오고 Bauhaus 의 선생들도 일차 대전 후에 미국에 와서 Black Mountain College 를 세우고, Russian Jew 인 아쉴 코르키도 미국에 망명하여 20-30년 대에 추상이 아닌 사실주의적 작품을 했으며, 아쉴 코르키는 2차 대전 이후 미국의 Abstract Expressionism 에 선구자적 역활을 한다. 그런 이유로 미국의 예술은 유럽의 수혈을 받았다고 할 수 있다.
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